martes, 21 de diciembre de 2010

A un lugar con parlantes


Juan San Martín, el Cana, es una de las certezas del rock platense: cuando él se sienta detrás de una consola es capaz de hacer magia. La carrera frenética del hombre que, en menos de 4 años, diseñó numerosas salas, se inmortalizó en más de 300 discos y se convirtió en uno de los sonidistas más respetados del ambiente.

Por Carolina Sánchez Iturbe
Fotos de The Dark Flack (www.thedarkflack.com)

Cuando se trata de rock, en La Plata hay certezas. Que la cantidad de músicos supera al número de cuadras del casco céntrico, es una. Que Juan San Martín, el Cana, hace magia cuando se sienta detrás de una consola, es otra. Señalado como el sonidista elegido por numerosas bandas, el Cana parece haber nacido sabiendo exactamente cómo hacer para que todo funcione a la perfección en cuanto recital haya suelto. Por ello mismo, resulta casi imposible pensar que hace poco más de 4 años atrás, para él era inimaginable convertirse un día en uno de los personajes más respetados del rock de la ciudad.
La relación del Cana con la música existe desde que el Cana es el Cana. Así, siendo aún un adolescente, él cantaba sus propias composiciones frente a Kaiser Calavera, la banda que compartía con Toto Almada, Gabriel Failla y Santiago Sanguinetti. En aquel momento, Juan también encontró la inquietud que luego lo llevaría a perfeccionarse y, más tarde, a convertirse en un experto del sonido: “No entendía por qué había grupos que sonaban bien y grupos que sonaban mal, lo mismo me pasaba con los equipos de sonido. Toto tenía unos Technics zarpados, que sonaban mejor que los Pioneer de no sé quién, así que empecé a investigar. Y cuando en el ‘99 conocí a uno de los ingenieros acústicos que trabajaba en el Teatro Argentino cuando se estaban haciendo remodelaciones, me intrigó mucho que el tipo tenía pleno dominio de las salas y de qué sucedía en cada lugar. Me dieron ganas de saber de eso”, describe.
Por aquel entonces, apareció lo que hoy Juan San Martín define como un modo de dar orden a su vida: el deseo de, al terminar el colegio secundario en el 2002, estudiar ingeniería electrónica. “La idea era hacer ingeniería acústica, pero en Argentina no había nada de eso y a Chile no me podía ir porque no tenía un mango, económicamente era un bardo”, dice para después asegurar que, aunque le cueste admitirlo, ésa carrera universitaria llena de operaciones matemáticas logró abrirle la cabeza al darle la base necesaria para experimentar y, en menos de un año, diseñar 25 salas.
Aunque en el 2004 el Cana haya dejado de pararse sobre los escenarios frente a Kaiser Calavera, la relación con la banda no se cortó. “Seguí relacionarme con los chicos, los ayudaba con el sonido cuando tocaban. Después me di cuenta de que tenía la oreja susceptible a encontrar ciertas frecuencias. Lástima que me di cuenta muy tarde, porque si lo hubiera usado para hacer música por ahí no estaríamos hablando”, sostiene entre risas para concluir asegurando que lo suyo es casi obra del azar: “Sin darme cuenta, terminé al lado de una consola”.
Una cosa lleva sin previo aviso a la otra y, tras empezar operando a una única banda, rápidamente Cana terminó trabajando con 15 grupos: “Seis meses después, lo conocí a Gonza (Voutoff) en una plaza, mientras estaba operando a unas bandas de barrio. El loco me pidió el teléfono y me preguntó si le quería hacer sonido a Estelares en Ciudad Vieja y yo, claro, le dije que sí. Eso me abrió un montón de puertas. Laburar fijo en algún lugar te permite jugar, ecualizar como vos quieras”.
Como si se tratase de una carrera loca contra el tiempo, durante los últimos 4 años Cana San Martín no sólo cursó la mayor parte de su carrera universitaria, se consolidó como uno de los sonidistas más preciados de la ciudad y diseñó una gran cantidad de salas, sino que además se inmortalizó en varios centenares de discos luego de masterizarlos. “En aquel momento, me prestaron un minidisc con el que grababa los shows y, cuando me compré una compu, les hacía un mínimo retoque. Entonces, alguien me dijo alguna vez que trabajaba de mastering y me puse a averiguar un poco. Así, me di cuenta de que necesitaba un buen parlante para escuchar si lo que estaba haciendo estaba bien o no. De repente, tenía 100 shows masterizados y en menos de un año aparecieron 100 discos, 20 documentales, un premio de acá, otro de allá. El año pasado, cuando festejamos los 300 discos en Ciudad Vieja, fue una cosa re loca”, asegura sin disimular la sorpresa que aún hoy le provoca tanto trabajo.
A pesar de haber sido convocado para trabajar con numerosos artistas reconocidos, como ser Non Palidece, Skatalites y No te va a gustar, el Cana mantiene el profundo respeto que siente por el rock platense. Así, no duda en confesar que elige “transpirar la camiseta” para bandas como Ánima y La Ira de Jaqke. “Yo soy muy agradecido con el under por la oportunidad que me dieron de mostrarme y porque aún hoy ellos siguen dándome de comer. Además, todo se vive distinto en el under, salen a flote otros valores”, relata convencido.
Entre las tantas certezas del rock platense, la del Cana es una de ellas. Cuando se sienta frente a una consola, él, de la mano a su afición por el sonido, hace su magia sin siquiera demostrar un poco de agotamiento en medio de tanta carrera frenética. Y aunque las operaciones numéricas hayan sido la base de semejante certeza, él jura que, como todo en esta vida, simplemente se trata de disfrutar: “Amo lo que hago y poder estar conviviendo con músicos, aportando a sus proyectos, me encanta. Que me paguen por escuchar música es lo mejor que me puede pasar”.

De Garage – Diciembre de 2010
(siempre es mejor la versión en papel)

sábado, 18 de diciembre de 2010

Yendo de la Feria al Living, V.07!



::Séptima edición de Yendo de la feria al living!::
::música en vivo: Flavio Casanova Rockaband::
::street art: Luxor::
::expo de fotos: Flordg::
::musicalización: La Vagoneta Dominguera::
::el living se muestra::
::lo que el living nos dejó: Très Pupilas::
+ Feria de discos, pins y postales

Entrada libre y gratuita! No se suspende por lluvia!

Domingo 19 de diciembre desde las 15.30hs.
CC Estación Provincial, Andén (17 y 71)
La Plata

Organizan:

Colaboran: 

 Yendo de la Feria al Living es un espacio musical en la Estación Provincial, en el que podrás encontrar muestras de fotografías, gente haciendo street art, feria de discos y pins, bandas y más!

martes, 14 de diciembre de 2010

Melina Sarmiento en Wayqe Trinidad


Durante la madrugada del jueves, Melina Sarmiento, la cantante de Noches Florentinas, dedicó una hora a canciones románticas y sentidas capaces de recorrer los desiertos mexicanos, donde la soledad pesa y provoca deseos de ajusticiar al hombre que provocó tanto desamor.

Por Carolina Sánchez Iturbe

Un santo e inefable fervor anidaba en aquellos sonidos, que temblaban a veces apenas audibles, como susurros misteriosos del agua, para aumentar luego, dulce y agriamente, como lamentos de cuerno bajo el claro de luna
[Noches Florentinas, Heinrich Heine]

La Plata, diciembre 14 (Agencia NAN-2010).- La sordidez de la oscuridad es el lugar donde pueden cohabitar sin complicaciones los mayores encantos con los más terribles pesares. Así, durante las noches, esas manos que acariciaron en penumbras pasadas, saben convertirse en fantasmas que, sin tregua, conducen a las lamentaciones más profundas, aquellas con las que todo parece irreversible y sólo resta desear que un buen trago de tequila funcione como la solución apresurada ante tanto desconsuelo. Aunque, claro, de fondo la melancolía de un sonido desesperado no permita más que recordar una y otra vez que el mundo no ha sido bueno.
Durante la madrugada del jueves, Melina Sarmiento es el recuerdo constante de ese desamor. La voz desesperada y triste que entona rancheras mexicanas en medio de La Plata. Y aunque en la ciudad de las calles en diagonal no sea habitual olvidar las penurias en una cantina, el sentimiento es el mismo: el peso de la soledad aprisiona y, en el mejor de los casos, provoca deseos de ajusticiar al hombre que provocó tanto desamor.
La noche comenzó complicada. Ante un bar lleno de gente, el sonidista y sus acoples prometían ser los dueños de cuanto improperio flotase durante las próximas horas dentro de Wayqe Trinidad, el nuevo local de la ciudad dispuesto a abrir sus puertas al arte platense. Sin embargo, cuando Melina Sarmiento sube al escenario, todo cambia. La compositora y cantante de Noches Florentinas, la banda que nació casi de casualidad en 2006 luego de que Sarmiento convocara a un grupo de músicos para editar su primer disco solista, es dueña de ese tipo de magnetismo que pocos seres llevan consigo, siendo capaz de, con su tono de voz dulce y apesumbrado, enfocar toda la atención en sus canciones que, pronto, se convierten en una interpelación constante a mirarlas de frente, sentirlas en la piel y, finalmente, desarrollar empatía.
Casi como una declaración de principios, todo comienza con “Noches Florentinas”, la ranchera que narra con detalle ese “domingo más que se diluye en sombras”, mientras la guitarra de Melina Sarmiento juguetea con el slide de Jorge Vimercati y el violín de Fernanda Ortega. Segundos después, llega con forma de vals con reminiscencias mezcaleras la “Historia maldita” en la que puede devenir el enamoramiento con sus temores y certezas.
Tras los aplausos que cosecha el buen principio de Melina con su voz, guitarra, vestido negro y medias red rojas, los músicos cambian: aparece en escena el teclado Fernando Alaniz y el slide, finalmente, se disuelve para dar paso a “Lo que hay” y, posteriormente, a “La llorona”, la versión platense de la canción popular mexicana que cuaja perfecta con el sonido western impreso por la banda y la entonación grave de Sarmiento, dispuesta a pronunciar una y otra vez que quien “no sabe de amores, no sabe lo que es martirio”.
Con el final de “Castigo”, suena “Son risas y risas”, la balada oscura e introspectiva que pide que, aunque sea mentira y signifique inventar una historia, alguien diga que todo es color de rosas, una seguidilla de sonrisas frente al dolor, que con la noche adentrada ya es ineludible.
“¿Será el bosque y los cuerpos? Arrullando el deseo, me voy hacia otra orilla. Desciendo y desespero”, dice Melina en “Penumbras”, cuando el recital está próximo a terminar --sólo resta “Luto sin fin”, la canción que será merecedora del aplauso generalizado del final--. Y, entonces, ya no caben dudas: en la sordidez de la oscuridad pueden cohabitar sin problemas la dulzura de una voz y todo su pesar frente a la desesperante soledad.


Agencia NAN (www.agencianan.com.ar)

jueves, 2 de diciembre de 2010

Una noche hostil y seductora


Durante los ’90, El Chacal fue la rockería en la que todo podía pasar, según recuerda Leandro Zavatti, el DJ del lugar. Del salvajismo de un público decidido a destrozar un local a los platos de fideos que reunían a los músicos antes de tocar.

Por Ana Clara Bormida y Carolina Sánchez Iturbe

“Lo mejor que tenía El Chacal era, al mismo tiempo, lo peor: nunca sabías qué iba a pasar”, asegura Leandro Zavatti, quien solía ser el disc jockey del bar ubicado en 8 y 42. Junto con El Cafetal y El Tinto Bar, ésta fue una de las rockerías estrella de los años ’90, donde músicos y rockeros asiduos se encontraban para, al ritmo de una banda, desconectarse del mundo.
Promediando la década de la explosión del grunge, el local abrió sus puertas conservando la estructura de lo que hasta entonces había sido una parrilla. Aunque esa fisonomía duró sólo un año, aún hoy hay muchos que recuerdan al escenario enjaulado que lo caracterizaba, dándole el estilo de “los bares texanos, que tienen un alambrado para que no les tiren botellas a los artistas”, agrega Zavatti. Luego, el lugar se convirtió en algo parecido a una cueva, donde la luz solar era la única que tenía la entrada vedada: “El Chacal tenía eso de pasar la puerta y que vos estabas o en el boliche o en La Plata. Te desconectabas. Era muy oscuro, las paredes estaban pintadas de un gris bien pesado; parecía que estabas en un sótano raro”.
Leandro era un privilegiado en el bar. Él era quien podía observar, “como desde una platea”, cada uno de los movimientos que sucedían ahí. “Al alambrado lo utilizaron para la cabina del DJ, quedaba bueno. Había una escalera de caños y arriba estaba yo con todas mis cosas. Era como un panóptico desde el que veías todo”, recuerda el actual conductor de El Planeador, el programa que se emite los sábados al mediodía por Radio Universidad, para luego describir cómo el lugar logró subsistir durante años sin personal de seguridad, que recién tuvo que ser contratado después de que el público de Attaque 77 destrozara el local.
Otro de los privilegios que gozaba Zavatti era la posibilidad de ver a los artistas debajo del escenario. Así, es dueño de numerosas anécdotas con Palo Pandolfo, Pappo, Richard Coleman y Willy Crook. Pero de todas, una de las historias que más recuerda es aquella que mostraba a Ciro Pertusi comiendo los fideos con manteca que había preparado Marcos, el dueño del bar, mientras del otro lado de la pared, sus seguidores sazonaban con pastillas el tetrabrik que tomaban. Luego, mientras que los músicos tocaban, “había tipos colgados del techo pegándole piñas al sistema de ventilación, arrancando las piletas de los baños. Fue terrible”.
El Chacal funcionaba única y exclusivamente como rockería, no era un lugar para ir a tomar algo, sino que ahí, de jueves a domingo, siempre tocaba una banda. Así, por el bar pasaron Bersuit Vergarabat, Los Visitantes, 7 Delfines, Dee Dee Ramone cuando hacía rock n’ roll de los ‘50, Las Pelotas, La Mississippi, Smith & Wesson, Las Pirañas Lunáticas, La Saga de Sayweke, Embajada Boliviana, Siempre Lucrecia y Las Rocas, entre muchas otras. Como buen reducto rockero, ahí tampoco se bailaba, excepto cuando, por alguna razón, el público se animaba y Leandro terminaba viendo al “tipo más dark de la ciudad bailando temas de Beach Boys”.
“El Chacal fue un lugar del que, todos los que fueron, no se olvidan. No sé si la pasaban tan, tan bien, pero no se van a olvidar. Y vaya a saber qué carajo de seducción tenía que no te ibas, te quedabas toda la noche”, asegura Leandro para después jurar que todas “las rockerías tienen esas cosas: son hostiles y seductoras”, como lo era El Chacal, donde era posible esconderse de una razzia, ver el mejor recital de una banda, sentirse amenazado cuando alguien pedía con insistencia que sonara Led Zeppelin, o tomar una cerveza con un músico. “Como no sabías qué podía pasar, podías vivir una noche inolvidable”.

(siempre es mejor la versión en papel)

lunes, 22 de noviembre de 2010

24 hour party people!


JP Estilista, Shella y DJP, las tres personalidades de Julio Pablo Laiño, son lo mismo: un único cuerpo capaz de sacudirse durante horas con la esperanza de que la fiesta nunca termine. De bajista punkrockero a DJ. De DJ a estilista.

Por Carolina Sánchez Iturbe
Fotos de The Dark Flack (www.thedarkflack.com)

JP Estilista, Shella y DJP, en el fondo, son lo mismo. Cuando la noche se termina y sólo quedan los resabios, los tres, aunados en un único cuerpo que bailó hasta el hartazgo durante la madrugada anterior, juran que ellos no son más que “mercenarios del infierno que le rinden tributo a la fiesta”.
Lo habitual es ver a Julio Pablo Laiño, con sus brazos, piernas y torso, todos largos, sacudiéndose solo en medio de la pista. “Para enfiestarme, la gente no me importa. Yo me manejo solo, pateo solo y bailo solo… A veces pienso que tendría que ser coreógrafo: a mí me tiran un ritmito y tuc, tiro un paso”, dice riéndose el hombre que, además, se desempeña como bajista de Sin Futuro Superestar, estilista y DJ.
Un recital de The Charlie’s Jacket, una fiesta electrónica o un boliche son excusa suficiente para que él y sus tres personalidades sientan esa electricidad que les impide quedarse quietos. “Lo que me pasa es que me divierto mucho, la paso muy bien. Viste que a la noche todo es más extremo, se vive todo más al palo”, explica.
Aunque pueda resultar extraño, para JP sus tres personalidades son sinónimo de armonía entre “diferentes estados y sensaciones” que, por su cuenta, aportan algo a ese único cuerpo: “La parte de la banda, me da el rock, la adrenalina del escenario, tocar el instrumento. DJP, la fiesta. Lo que comparten Shella y DJP es mover a la gente. Y JP Estilista es el lado artístico anexado a la moda, pero profesional porque me es redituable”.
Esa conjunción de tres personalidades que están conectadas conformando a un solo hombre es quizás, en buena medida, el resultado del recorrido musical diverso que JP hizo durante los últimos 27 años y que lo llevó del rock al hip hop, del punk rock al electro, “y de ahí, a la fiesta total”.
“Arranqué con los Rolling y los Redondos. Tenía unos casettes de mi hermano y los escuchaba. Ahora, me bajo canciones de los Redondos y, no sé por qué, me gustan, las disfruto. Y los Stones… bueno, habría que hacerles un monumento a cada uno de ellos y a todos juntos, más que por la banda, por lo que representan”, narra JP para después relatar cómo un amigo cayó un día con Cypress Hill y Control Machete, obligándolo a investigar y, luego, a ahorrar para su primer disco: Hello Nasty, de Beastie Boys.
Inquieto, como hoy, Shella se encontró luego en “la velocidad en la música” que, en medio del verano y sus playas de vacaciones, lo llevaron al punk rock, cargado de Blink 182, banda a la que señala como fundamental durante su adolescencia, y de The Offspring.
“Después, cuando arranqué a salir de joda a la noche, que fue hace dos o tres años, me destapé y empecé a ver movidas, a entender cosas. Me gustó esto de la fiesta y entonces, ¿qué hice para poder estar más tiempo de fiesta? Me hice DJ y puse la música que me gusta bailar a mí”, sostiene con una sonrisa picarona DJP, quien además se confiesa como un “hitero mal” que es capaz de aceptar “cualquier melodía que mueva el cuerpo” y, por el contrario, rechaza “la música bajón, el indie y las canciones” porque lo “descomponen un poco”.
JP Estilista, Shella y DJP son, definitivamente, lo mismo. Tres personalidades que disfrutan de la noche y que durante el día caminan “por la sombra, deseando mutar en vampiro”. Tres personalidades que, en un único cuerpo, siguen sacudiéndose sólo para pedir que la fiesta no termine.
(siempre es mejor la versión en papel)

miércoles, 10 de noviembre de 2010

Yendo de la Feria al Living, V.06!



:: ¡Sexta edición de Yendo de la Feria al Living! ::
•• Entrevista + acústico: Mostruo! ••
•• Expo de gráficas: Estación Provincial! ••
•• Street Art: Arte Motha! ••
•• Muestra de fotos: Lula Bauer! ••
•• Musicalización: Flavio Mogetta! ••
•• Instantáneas del living: Très Pupilas! ••
•• Feria de discos y pins! ••

Domingo 14 de noviembre, desde las 15.30hs.
Hall Central, Estación Provincial (17 y 71)
¡Entrada libre y gratuita!
¡No se suspende por lluvia!

Trae tu almohadón y hacete de un domingo como en casa!

 :: Organizan ::
••• Una valeriana, por favor! •••
••• Feria en la Esquina•••

:: Colaboran ::
••• Beat 64•••
••• Radio Universidad•••
••• Moholy Ideas Visuales •••

 Yendo de la Feria al Living es un espacio musical en la Estación Provincial, en el que podrás encontrar muestras de fotografías, gente haciendo street art, feria de discos y pins, bandas en formato acústico y más!

miércoles, 3 de noviembre de 2010

Mister América en Ciudad Vieja



Una versión reducida y acústica de la banda legendaria de La Plata volvió a reencontrarse con sus canciones y con su público durante la noche del sábado después de dos años de silencio. Un recital plagado de imágenes y gestos fue suficiente para demostrar porqué la paciencia puede ser una virtud.

Por Carolina Sánchez Iturbe
Fotografía de The Dark Flack  (www.thedarkflack.com)

La Plata, noviembre 2 (Agencia NAN-2010).- Hay quienes dicen que la paciencia es una virtud que encuentra su justificativo cuando, como un mesías, aparecen los frutos. Y más aún si el fin de tanta espera llega con formato musical. Dos inviernos hicieron falta para que volvieran a sonar en vivo las melodías de Míster América, la banda que lleva 21 intermitentes años de carrera y que, sin necesidad de atravesar la autopista --y en parte, por ello mismo--, se convirtió en uno de los mitos del rock platense. Dos inviernos no lograron dictaminar la distancia que provoca la lejanía, proximidad ineludible cuando en la noche del sábado una versión reducida y acústica de la banda se trepa al escenario de Ciudad Vieja para reencontrarse con sus canciones y demostrar que la paciencia puede conducir a grandes momentos.
El sábado había sido alborotado. Desde temprano, músicos y público habían festejado el cumpleaños de Ciudad Vieja, el bar de La Plata que durante la última década abrió sus puertas a diversas propuestas artísticas, sin que el viento que sobrevolaba en la esquina de 17 y 71 fuera impedimento. Dieciséis bandas, solistas y agrupaciones musicales ya se habían hecho eco de la celebración y con el fin de la tarde, el escenario que hasta entonces se desplegaba contra el frente de la Estación Provincial, se había mudado a las inmediaciones del local agasajado a la espera de la aparición de otros once artistas.
Entonces, delante de un lugar apelotonado de gente, Míster América entraba en escena. Poco después de las 22 y acompañado por la guitarra eléctrica de Pilu Pontano y el teclado de Leo Giordano, Gustavo Astarita se acomoda sobre una silla y, mientras suena “Tanta charla”, canta “dame suave tu atención”. Primera ovación. El aplauso contenido durante dos años resuena sin mesura entre las paredes del bar. Desde la altura que proporciona una banqueta ubicada en el rincón más oscuro del escenario, los ojos claros de una nena observan directamente los rostros del público de su padre, que tras 730 días de espera, no intenta disimular la exaltación.
Luego del primer impacto, el cantante de la banda logra captar la atención durante toda la hora que dura el show. Así, en “Súper yo”, sus pies transmiten el vértigo de la melodía a fuerza de golpes propinados directo contra el suelo; durante “En la cabeza”, su mirada se posa fija sobre la gente; y con la llegada de “Sombra sol”, demuestra que su voz, capaz de entregarse a la expresividad de la música, superó al tiempo manteniéndose intacta, a la par que entona “tantas veces me dijiste tonta, tantas veces que ya no recuerdo”.
Tras el paso de ese “Tiempo” dado para las frutas maduren y caigan, similar al que la banda esperó para, aunque sin algunos de sus miembros, volver a encontrarse bajo los LEDs, le toca el turno a las “Palabras”. Ignoran la festividad del ritmo que rememora a la bossa nova para asegurar que el valor, en verdad, es dejar este mundo. Después, viene la esperanza. Con el fin de “Congelar”, una de las novedades de Míster América, Astarita asegura que tienen muchas canciones por dar a conocer y, con picardía, concluye: “¿Qué les sugiere eso?”. La gente inmóvil festeja, como si luego de tanta espera, fuese imposible lograr procesar la posibilidad de la aparición un disco nuevo. Y entonces sí, la “Dicha”, ante la cual la niña que hasta entonces fiscalizaba la escena desaparece imperceptible del escenario.
Incorporándose con lentitud del asiento, Gustavo Astarita termina de configurarse como el centro de acción por el que pasan los momentos de Míster América, aunque repita una y otra vez “Yo no soy tu gurú” y, por el contrario, elija minutos después autoproclamarse como un “Rebelde” que está “en la sala de la antifama”. El pequeño cuerpo del cantante empieza a retorcerse a la par de la exigencia jazzera de los versos de “Nada bueno”, para después parecer mucho más grande de lo que realmente es cuando sus brazos y piernas se transforman en extensión de la melodía de “Esclavo”. Después, es su rostro el que sufre la modificación, convirtiéndose en una sucesión de imágenes tatuadas y compuestas por expresiones gestuales que acompañan a “la sal que te hiere” en los “Terrenos de nylon”. Pura tensión que se resquebraja cuando, aflautando la voz, Gustavo dice divertido “soy tu dios, que en su amor te abandona por terrenos extraños” y consigue la risa de la audiencia.
Previendo el final, Pontano y Giordano se retiran lentamente del escenario, a la par que esquivan a los cuerpos que cercaron el paso ante la falta de espacios libres en el bar. Solo con su guitarra acústica, Astarita vuelve a tomar posición sobre una silla. Desde ahí, fiel a su estilo ecléctico, vuelve a mutar constituyéndose ahora como un ser que pide dulce y suavemente que le hablen del cielo y le den otra vida, “una en la que no pida nada, una que me lleve liviano, una en la que ya no me sueltes la mano”. Luego, intenta terminar el show pero, aunque haya sabido esperar dos años para verlo, la gente impaciente consigue que el cantante ni siquiera logre desaparecer de escena antes del bis. Entonces, es la “Despedida” y el semblante de Gustavo se deteriora progresivamente a la par que asegura haber escrito un nombre en la lista de cosas que le enferman, hasta terminar al borde del sollozo y repitiendo “debo librarme de ti”. Última ovación.
Definitivamente, la paciencia es una virtud. Más aún cuando el fin de tanta expectativa llega en melodías plagadas de imágenes que, tras dos inviernos de silencio, se consumen en una hora sentida con el cuerpo y con el gesto, una hora capaz de explicar por qué --más allá de la resistencia a la autopista-- una banda puede ser mito de una ciudad y viceversa, una hora suficiente para dejar a un centenar de personas esperanzado y, otra vez, cargado de paciencia para esperar por más.


Y sí seguís explorando? (si total, no nos vamos a dormir...)

Related Posts with Thumbnails